El anuncio de que la nueva película del Universo DC de James Gunn se inspiraría directamente en Supergirl: La Mujer del Mañana, la aclamada novela gráfica de Tom King y Bilquis Evely, desató el entusiasmo de los lectores. Sin embargo, trasladar las peculiaridades de una odisea cósmica tan de autor al lenguaje cinematográfico de un gran blockbuster implica licencias, cambios de tono y giros estéticos radicales.
Para entender hasta qué punto la película bebe de la viñeta, analizamos los 5 conceptos clave que la producción cinematográfica ha tomado prestados del cómic, desgranando cómo se han transformado para la gran pantalla.
1. El viaje existencial de una Ruthye en busca de venganza
El motor narrativo del cómic de Tom King no arranca con Supergirl, sino con Ruthye Marye Knoll, una joven alienígena de un mundo atrasado que busca desesperadamente un cazarrecompensas para vengar la muerte de su padre. Este concepto de road movie espacial o wéstern crepuscular intergaláctico se mantiene como el esqueleto de la película. La cinta adopta esta estructura de acompañamiento, convirtiendo a Kara Zor-El no solo en una superheroína al uso, sino en la protectora y mentora de una joven atrapada por el trauma. Sin embargo, mientras el cómic mantiene una solemnidad literaria y trágica muy profunda a través de los textos de Ruthye, la película aligera este viaje dotándolo de un ritmo más comercial y accesible para todos los públicos.
2. El sol rojo como recurso para humanizar la acción
En las viñetas de La Mujer del Mañana, Tom King lleva a los personajes a zonas del cosmos donde los soles rojos o la falta de radiación amarilla anulan los poderes de Kara. La película abraza este concepto argumental como su principal herramienta para generar tensión dramática. Ver a Supergirl despojada de su invulnerabilidad, teniendo que pelear cuerpo a cuerpo, sufrir físicamente y sangrar es una herencia directa del cómic. No obstante, el largometraje estira este recurso en exceso, cayendo en un «nerfeo» tan pronunciado de la protagonista que en muchos tramos del segundo acto se desdibuja la espectacularidad que los fans esperaban de una de las entidades más poderosas del universo.
3. La reinvención de Krypto: Del lobo despiadado al compañero animado
Este es uno de los puntos donde la película se desmarca de forma más radical del material original, a pesar de mantener al personaje. En la novela gráfica de Tom King, Krypto es retratado como un animal fiero, tosco y desgastado por la supervivencia espacial; un guardián silencioso y por momentos implacable, casi como un lobo cósmico curtido en mil batallas. James Gunn ha decidido cambiar por completo este enfoque en la gran pantalla. El Krypto cinematográfico deja atrás esa estética madura y amenazante para convertirse en un personaje de aspecto mucho más estilizado, simpático y «de dibujos animados». Aunque mantiene su lealtad inquebrantable hacia Kara, su diseño busca enternecer al público y generar momentos de alivio cómico, alejándose de la crudeza del cómic.
4. De la fantasía de un galeón cósmico a la nave convencional
Visualmente, una de las mayores genialidades del dibujo de Bilquis Evely en el cómic es el transporte que utilizan las protagonistas: un galeón pirata antiguo reconvertido en embarcación espacial que navega de forma poética entre las estrellas. Era una propuesta estética arriesgada y cargada de fantasía. La película de DC, sin embargo, ha preferido ir sobre seguro en este apartado de diseño de producción. En lugar de trasladar ese barco clásico flotando en el vacío, el largometraje lo sustituye por una nave espacial normal y corriente, de corte futurista y convencional. Aunque el diseño del entorno cósmico es vistoso, se pierde por el camino esa estética tan particular de fantasía espacial clásica que hacía único al cómic.
5. El choque cultural y la crudeza de los mundos fronterizos
El quinto concepto que la película rescata de Tom King es la ambientación en escenarios alejados de la pulcritud de la Tierra o de Krypton. El cómic destaca por mostrar planetas fronterizos hostiles, llenos de alienígenas con culturas extrañas, tabernas espaciales de mala muerte y peligros constantes. La película hereda esta atmósfera de «frontera espacial», permitiendo que Kara interactúe con el submundo galáctico y justificando así la posterior entrada en escena de personajes gamberros como Lobo. Eso sí, la película dulcifica la violencia explícita y la decadencia de esos entornos para encajar en la calificación por edades habitual de las producciones de superhéroes.
